Les 50 meilleures chansons gothiques de tous les temps

Pianiste depuis l’âge de quatre ans, Jack DeJohnette n’a commencé à jouer de la batterie qu’à 18 ans. Ce début relativement tardif ne l’a pas empêché de se lancer : un passage précoce au sein de l’institution d’avant-garde de Chicago, l’Association for Advancement of Creative Musicians, l’a conduit à travailler en direct avec John Coltrane, à occuper une place dans le quartette de Charles Lloyd, qui a atteint les sommets des hit-parades, et finalement à se produire avec Miles Davis, alors que le trompettiste se préparait pour Bitches Brew, l’album de fusion de 1970 qui a fait date. « C’était génial de jouer avec Miles, parce que Miles adorait la batterie, expliquait DeJohnette à Jazz.com en 2009. Tout venait de la batterie. Il aimait la boxe, il était un grand fan de boxe, et il voyait la batterie dans le jazz comme ayant des aspects similaires. » En tant que chef d’orchestre et compositeur, DeJohnette fusionne tout ce qu’il a appris – les expérimentations de l’A.A.C.M., l’intégrité de Coltrane, le groove pugilistique de Davis – avec son propre talent inné pour créer une mélodie mémorable.

« C’était le batteur le plus costaud que j’ai jamais entendu« , confiait Grady Thomas, le chanteur des Parliaments, au sujet de Ramon « Tiki » Fulwood. La légende veut qu’à l’âge de 17 ans, il devait se faufiler dans les clubs pour se produire, et Clinton a dû supplier sa mère de le laisser l’emmener en tournée. Son style lourd – aux côtés de la guitare en roue libre d’Eddie Hazel – a marqué un tournant dans l’histoire du groupe. Ce que l’on entend sur des hymnes comme « Maggot Brain », c’est un jeu extraverti qui deviendra plus tard une source de samples pour les producteurs de hip-hop.

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Jim Keltner est l’un des batteurs de session les plus vénérés de tous les temps. Il est à l’origine de milliers de disques, dont « Imagine » de John Lennon, « Photograph » de Ringo Starr, une grande partie de la production solo de George Harrison, les deux LP des Traveling Wilburys, « Full Moon Fever » de Tom Petty, « Knockin’ on Heaven’s Door » de Bob Dylan et « Josie » de Steely Dan ; sans oublier son travail avec Harry Nilsson, les Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, les Pretenders, Fiona Apple et Oasis. Né dans l’Oklahoma, il a grandi à Pasadena, en Californie, et a commencé à enregistrer dans les années 60. Keltner est connu pour sa subtilité et sa polyvalence qu’il doit à son éducation jazz. L’une des caractéristiques de son style est sa décontraction discrète. « Au fil des ans, beaucoup de gens m’ont dit : « Tu n’as pas l’air de jouer quand tu joues« , a-t-il dit un jour.

Le jeu de baguettes du batteur de Toto a donné à « Beat It » de Michael Jackson une grande partie de son mordant, a permis à « I Keep Forgettin’ » de Michael McDonald d’être inoubliable et a imposé le « Rosanna Shuffle » sur le tube du même nom de son propre groupe. « Jeff a toujours eu un rôle énorme dans le fait de transformer une simple chanson en hit », a déclaré son frère Steve au magazine Rhythm en 2013. « On ne s’ennuyait jamais en studio. (…) Il trouvait toujours les meilleurs rythmes instantanément, comme s’il avait joué la chanson pendant des années. » Porcaro est décédé en 1992, peu après l’achèvement du huitième album de Toto Kingdom of Desire ; il avait également joué sur Human Touch de Bruce Springsteen, et aurait refusé une offre d’un million de dollars de la part du Boss pour rester avec son groupe.

36 – Steve Smith

Bien qu’il ait passé la majeure partie de ces 30 dernières années à tourner sur la scène fusion jazz, les capacités surhumaines de Steve Smith ont permis aux rockers de Journey d’atteindre leur apogée. Son jeu sur le classique « Don’t Stop Believin’ » est particulièrement complexe. Il est aussi exceptionnel que les envolés vertigineuses de Perry !

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35 – Fred Below

Avant les Funk Brothers de la Motown ou les M.G. de Stax, des groupes de musiciens de session assemblés par des labels ont façonné le son du R&B au milieu du 20ème siècle – y compris des musiciens comme Fred Below des Aces, dont le travail délicatement énergique pour Chess Records à Chicago a été essentiel pour propulser la musique de Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry et Howlin’ Wolf vers de nouveaux sommets. Ayant débuté comme batteur de jazz, Below a dû trouver sa propre voie dans le blues. « Ce qui a rendu ce genre fascinant pour moi, c’est que c’était un type de musique qui ne m’était pas familier – et on ne l’enseignait pas à l’école ! » se souvient-il. « Il fallait donc que je la joue de manière à ce qu’elle ait un sens pour moi« . En écoutant « I’m Ready » de Muddy Waters ou « School Days » de Chuck Berry, la gamme et la virtuosité de Below sont claires comme de l’eau de roche ; sans chichi ni fioriture, il a alimenté le moteur électrique du blues de Chess.

34 – Mickey Hart et Bill Kreutzmann

Mickey Hart s’est joint au membre fondateur du Grateful Dead, Bill Kreutzmann, en 1967, faisant des Dead l’une des premières formations à deux batteurs rock. Aucun autre groupe de rock n’a poussé plus loin cette symbiose. « Le langage que Bill et moi partageons n’est pas parlé, dit Hart. C’est un langage corporel, des clins d’œil et des mouvements… un langage secret que nous ne pouvons pas décrire. »

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33 – Tony Allen

« C’est incroyable, Tony Allen cite Fela Kuti, co-inventeur de l’afrobeat. La façon dont vous jouez, on n’aurait même pas besoin d’un percussionniste ». Machine à groove radicalement polyrythmique, cet innovateur nigéro-ghanéen a ajouté le jazz et le funk aux genres locaux d’Afrique de l’Ouest comme le highlife, l’apala et le mambo nigérian. Allen jouait du jazz à Lagos lorsqu’il a rencontré Fela, qui l’a engagé comme batteur et chef d’orchestre – d’abord au sein de Koola Lobitos, puis d’Africa 70 – de 1965 à 1979, date à laquelle Allen est parti en raison de l’« idéologie de dictateur » de Fela. Ce dernier a admis que l’afrobeat n’existerait pas sans Allen, dont l’influence s’est étendue aux Talking Heads, à Gorillaz et à d’innombrables groupes d’afro-fusion. Après avoir quitté Fela, Allen a continué à repousser les enveloppes dans des collaborations et des synthèses hybrides en solo qu’il appelle afrofunk. « Je suis une personne cool, admet-il. Je joue de ma batterie comme… je me comporte dans la vie. »

32 – James Gadson

Bien qu’il soit originaire de Kansas City, il est difficile d’imaginer un batteur plus important dans l’histoire de la musique de Los Angeles que James Gadson. Il s’est fait connaître à la fin des années 1960 en tant que membre du Watts 103rd St. Rhythm Band (célèbre pour « Express Yourself »), puis du groupe de Bill Withers, tout en restant l’un des musiciens de studio les plus prolifiques de la ville. Sa poigne ferme a tout enregistré, de « Dancing Machine » des Jackson 5 à « Happy People » des Temptations en passant par « I Want You » de Marvin Gaye. « Je veux dire, il a joué sur ‘Let’s Get It On’. … Gadson EST ce son, a déclaré Jamie Lidell à Pitchfork. Chaque fois que je joue avec lui, il se passe des choses folles que je n’ai jamais expérimentées avec un autre musicien, jamais. Il me regarde, sourit, et s’occupe de ce putain de rythme. Et quand il a fini le morceau, il dit : « C’est toi qui me l’as donné ». Il n’a aucun ego, putain. »

31 – Roger Hawkins

Jerry Wexler, le producteur qui a inventé le terme même de « rhythm & blues », a appelé Roger Hawkins « le plus grand batteur du monde ». Comme tous les Swampers, Hawkins excellait à adapter son style personnel aux besoins d’une session. Wilson Pickett a tapé le rythme qu’il voulait pour « Land of 1000 Dances » sur sa jambe et Hawkins l’a repris à partir de là ; Paul Simon recherchait une allure particulière pour « Kodachrome » et le batteur l’a capturée en un rien de temps. Le motif complexe de cymbales que Hawkins construit sur « Chain of Fools » d’Aretha, les motifs funk qu’il exécute sur « I’ll Take You There » des Staple Singers, le jeu subtil qu’il déploie sur « When a Man Loves a Woman » de Percy Sledge… tout cela fait de Hawkins un musicien hors pair.

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30 – Clifton James

Né à Chicago avec 13 frères et sœurs, James a appris à jouer sur des chaises et des boîtes de conserve. Il a joué sur des disques pour tout un éventail de légendes du blues de Chicago – Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Koko Taylor, Buddy Guy, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson – mais sa plus grande contribution a été son rôle de batteur de Diddley de 1954 à 1970. De tous les batteurs différents que Bo Diddley a eus, il n’en a jamais eu un qui lui plaisait plus que Clifton James. En les mélangeant tous les deux, ils ont créé une chose si unique que l’un n’était pas bon sans l’autre.

29 – Carlton Barrett

Rien ne sonne plus authentiquement reggae que les tom-toms de Carlton « Carlie » Barrett, suivis de sa caisse claire qui a lancé un millier de morceaux. Sans doute le musicien le plus influent de l’histoire du reggae, Barrett a popularisé le rythme « one drop » caractéristique de cette musique au sein des Wailers et du groupe solo de Bob Marley. Son jeu de batterie sèche – que l’on entend sur des morceaux comme « Duppy Conqueror », « Soul Rebel » et « Small Axe » – et son charleston à triple effet ont servi de rayon tracteur aux fans de skanking jusqu’à son assassinat en 1987 à l’âge de 36 ans. « Parce que les tambours viennent de l’époque de l’esclavage et de l’Afrique, cela transpire d’histoire, a-t-il déclaré à Modern Drummer. Les bons batteurs de reggae font du jeu une expérience spirituelle. »

28 – Carmine Appice

Appice s’est fait connaître à la fin des années 60 avec le groupe psychédélique excentrique Vanilla Fudge – influençant un jeune John Bonham avec ses grooves funky agressifs et endiablés – avant de passer à un style blues-rock plus lourd avec Cactus et Beck, Bogert & Appice. Il a fait la preuve de son talent au sein du groupe de Rod Stewart à la fin des années 70, en apportant son aide à l’écriture de tubes tels que « Da Ya Think I’m Sexy ». Plus récemment, il s’est occupé de jouer aux spectacles « Drum Wars » avec son frère cadet et compagnon d’élite du hard-rock, Vinny (Dio, Black Sabbath).

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27 – Dave Grohl

Le jeu de batterie implacable et musclé de Dave Grohl – forgé sur la scène punk de Washington, D.C. dans les années 80 – était le coup parfait nécessaire pour faire passer le groupe Nirvana de Seattle du statut de groupe grunge indépendant à celui d’icône. « Kurt m’avait appelé et m’avait dit : « J’ai le meilleur batteur du monde maintenant. Il joue plus fort que n’importe qui d’autre », raconte Butch Vig, producteur de Nevermind, à Martin James, biographe de Grohl. « Et je me suis dit : ‘Ouais, c’est ça’. Mais ils avaient totalement raison. … Il n’y avait pas de micros sur [les tambours] dans cette pièce et ils étaient aussi forts acoustiquement que les amplis ! ». Grohl a affiné son style unique dans la banlieue de D.C. en jouant sur des oreillers avec d’épaisses baguettes : « C’est pour ça que j’ai commencé à frapper la batterie si fort », a-t-il déclaré à Spin en 1997, « en jouant sur des oreillers (…) avec ces putains de battes en écoutant ‘Violent Pacification’ de D.R.I. Je faisais ça jusqu’à ce que les fenêtres de ma chambre dégoulinent de condensation à cause de la sueur dans la pièce. »

26 – Danny Carey

Après un passage peu prometteur à la fin des années 80 comme batteur dans le groupe de Green Jellÿ (sous le pseudonyme de Danny Longlegs), Danny Carey a rejoint le futur mastodonte de l’alt-metal Tool en 1990. Au cours des années qui ont suivi, ce natif du Kansas s’est imposé comme l’héritier naturel des géants du prog des années 70 tels que Neil Peart et Bill Bruford, et comme l’un des batteurs de rock les plus admirés de sa génération. Le style de Carey allie une ambition intellectuelle – et un don pour les polyrythmes et les mesures bizarres – à une force sans compromis et une sensation de fluidité. Son don est de rendre l’expérimental le plus naturel possible.

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25 – Earl Palmer

L’un des batteurs les plus enregistrés de l’histoire, Earl Palmer était un artiste qui a défini le rôle du sideman. Improvisateur, joueur de poche et accompagnateur, Palmer, originaire de la Nouvelle-Orléans, a joué sur des chansons marquantes de la région comme « Good Golly, Miss Molly » de Little Richard, « I’m Walkin’ » de Fats Domino et « Tipitina » de Professor Longhair. Après avoir déménagé en Californie, il est rapidement devenu l’un des musiciens de session les plus recherchés. Comme l’a dit son collègue du Wrecking Crew, Carol Kaye, « Earl a pris le dessus… c’était le meilleur batteur que j’avais jamais entendu ». La quantité de ses enregistrements signifie que ses rythmes ont contribué à définir le rythme de l’Amérique : « La Bamba » de Richie Valens, « Summertime Blues » d’Eddie Cochran, « You’ve Lost That Lovin’ Feeling » des Righteous Brothers et « You Send Me » de Sam Cooke ne sont que la partie émergée d’un iceberg qui comprend même des nouveautés comme le thème des Pierrafeu. « Lorsque le pouls du rock & roll vous saisit et ne vous lâche plus, il devient le Big Beat », a déclaré Max Weinberg. « C’est ce qui s’est passé quand Earl Palmer a joué ‘Lucille’ de Little Richard, comme s’il utilisait des battes de baseball et tapait sur une grosse caisse de 30 pieds. »

24 – Steve Gadd

À l’apogée de son travail sur la scène des sessions new-yorkaises dans les années 1970, Steve Gadd affirme jouer trois sessions par jour, donnant à une décennie de musique rock un funk profond et doux. Ses œuvres les plus connues sont les syncopes cérébrales de « 50 Ways to Leave Your Lover » de Paul Simon et les hi-hats et les fills monstrueux de « Aja » de Steely Dan. Gadd a insufflé un groove étourdissant à des centaines d’enregistrements, dont le numéro un disco de Van McCoy, « The Hustle ». « Tous les batteurs veulent jouer comme Gadd parce qu’il joue parfaitement, a déclaré Chick Corea. Il a apporté une pensée orchestrale et compositionnelle à la batterie tout en ayant une grande imagination et une grande capacité à swinguer. »

https://www.youtube.com/watch?v=B0RxDknsIT8

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23 – Elvin Jones

Né en 1927 dans une famille de musiciens de Pontiac, dans le Michigan, Elvin Jones a fait partie d’une poignée de musiciens qui ont changé la définition du fonctionnement d’un batteur au cours des cinq années qu’il a passées au sein du John Coltrane Quartet. Chronométreur impeccable d’une délicatesse extraordinaire, Jones est surtout connu pour avoir poussé Coltrane dans la stratosphère grâce à sa puissance élémentaire, dispersant et déplaçant le rythme entre les quatre membres. « Il n’y a rien de nouveau dans le chronométrage, c’est juste que certaines personnes savent mieux chronométrer que d’autres, déclarait Jones à Down Beat en 1977. Certaines personnes sont plus sensibles aux impulsions rythmiques, et plus vous êtes sensible, plus vous pouvez utiliser les subtilités de la mesure du temps. » Les premiers batteurs de hard-rock qu’il a influencés – Ginger Baker, Mitch Mitchell, John Bonham – seraient certainement d’accord.

22 – Levon Helm

Dans son livre The Big Beat (1984), Max Weinberg rendait un hommage appuyé à Levon Helm, le légendaire batteur chanteur du groupe : « La cadence étouffée de ‘The Night They Drove Old Dixie Down’, les tom-toms déglingués de ‘Up on Cripple Creek’ et le backbeat fatigué mais déterminé de ‘The Weight’ montrent que Levon fait partie des rares batteurs capables de définir non seulement le rythme mais aussi la mise en scène d’une chanson ». Né dans la petite ville de Marvell, dans l’Arkansas, Helm a passé la fin des années 50 et le début des années 60 à jouer dans les bars de toute l’Amérique du Nord en tant que membre du groupe de Ronnie Hawkins. En 1965, Helm et ses collègues accompagnaient Bob Dylan lors de sa première tournée électrique. En 1968, ils se sont rebaptisés The Band et ont commencé à composer des chansons originales qui tournaient souvent autour du groove inimitable de Helm. À la fin de sa vie, alors que sa santé déclinait en même temps que ses finances, le batteur a organisé des concerts dans une grange sur sa propre propriété à Woodstock. Nuit après nuit, même lorsque les traitements contre le cancer de la gorge transformaient sa voix en un doux râle, il jouait joyeusement des airs anciens et nouveaux, gardant l’esprit du groupe lors de ces « Midnight Rambles ». « Il a été mon ami intime jusqu’à la fin, a déclaré Dylan à propos de Helm après sa mort, l’un des derniers grands esprits de ma génération ou de toute autre génération. »

21 – Ian Paice

Sans le seul membre permanent de Deep Purple, Ian Paice, le heavy metal n’aurait pas connu une telle évolution. Légende du rock épique qui n’a « jamais joué avec des bouchons d’oreille », Paice est un pro de la vieille école qui joue vite, furieusement et à fond. Fan de Frank Sinatra, Ringo Starr et du batteur de Count Basie, Sonny Payne, Paice a imprégné des tubes comme « Hush » et « Smoke on the Water » d’un swing étudié et contagieux. Le guitariste de Deep Purple, Steve Morse, a déclaré à Drum! : « Il a un swing qui semble juste. Et sa dynamique est formidable. Le batteur de mon trio, Van Romaine, l’appelle le ‘Steve Gadd du rock’. … C’est comme une gigantesque locomotive qui tonnait sur les rails, tout étant totalement synchronisé. »

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20 – Bernard Purdie

Bien que Bernard « Pretty » Purdie ait été surnommé « Mississippi Bigfoot », ce joueur de studio prolifique a grandi dans le Maryland avant de déménager à New York au début des années 1960, où il a fait ses premières armes en participant à des sessions avec des artistes de jazz comme Nina Simone et Gabor Szabo. Connu pour ses « notes fantômes » complexes de charleston, Purdue est rapidement devenu l’un des batteurs les plus demandés de toute l’industrie. Il a été le directeur musical d’Aretha Franklin pendant plusieurs années, lorsqu’il n’était pas occupé à enregistrer avec de nombreux artistes, de Steely Dan à Mongo Santamaria en passant par Bob Marley. La question n’est pas de savoir avec qui Pretty Purdie a joué, mais plutôt avec qui il n’a pas joué. « Bernard faisait toujours quelque chose d’unique que l’on n’aurait jamais imaginé à l’avance et que personne d’autre n’aurait fait », se souvient Walter Becker de Steely Dan.

19 – Tony Williams

Les débuts de Tony Williams avec Miles Davis, en 1963, à l’âge de 17 ans, constituent l’une des émergences les plus étonnantes de toute la musique du XXe siècle. « Mec, rien que d’entendre ce petit enculé m’a rendu tout excité, a écrit le trompettiste dans son autobiographie. J’ai tout de suite compris qu’il s’agirait de l’un des pires enculés qui ait jamais joué de la batterie. » Au moment où il rejoint Miles, il avait déjà apporté de sérieuses contributions à l’avant-garde du jazz avec le saxophoniste Jackie McLean et d’autres. Mais c’est son rôle dans le « Second Great Quintet » de Davis qui a fait de lui une légende. Davis aimait travailler avec des sidemen qui n’avaient pas peur de le bousculer, et Williams, avec ses motifs de cymbales étourdissants, ses accents éruptifs et ses distorsions de tempo, était plus qu’heureux de rendre service. Il n’est que justice que, lorsqu’il quitte Miles en 1969, il devance le trompettiste dans le domaine du jazz-rock, en formant le groupe Lifetime, avec le futur guitariste du Mahavishnu Orchestra, John McLaughlin et l’organiste Larry Young. Au cours de la décennie qui a précédé sa mort prématurée en 1997, Williams s’est réengagé dans le jazz acoustique, jouant, comme toujours, avec une intensité qui ne souffre d’aucune réticence. Son inspiration transcende les genres. « Pour moi, il était non seulement un maître technicien, un maître batteur, l’innovateur de l’époque, mais aussi un innovateur sonore, a déclaré Cindy Blackman à propos de Williams. Il avait tellement de choses qui élevaient le son et le niveau de compétence requis pour jouer ce genre de musique. »

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18 – Joseph « Zigaboo » Modeliste

Le journaliste de Rolling Stone Joe McEwen a un jour décrit la technique de jeu de Zigaboo Modeliste comme un rejet de « la technique standard… exécutant des rythmes endiablés. » Ce style pugilistique, qui caractérise le travail de Modeliste avec les Meters au début des années 1970, a consolidé son statut de batteur de funk le plus lyrique de tous les temps. Le style de Modeliste est imprégné de la tradition de sa Nouvelle-Orléans natale, où des générations de batteurs ont imprimé un style linéaire, presque mélodique, de syncopes. Sur des chansons des Meters comme « Cissy Strut » et « Just Kissed My Baby », le travail de Modeliste fait pratiquement chanter la batterie. Après avoir quitté les Meters au milieu des années 70, il a continué à prouver son talent pour apporter une approche locale au monde de la musique en travaillant avec des géants du rock comme Keith Richards et Ron Wood.

17 – Terry Bozzio

« Je ne suis pas du tout intéressé par les numéros de cirque, » a déclaré Terry Bozzio à Rolling Stone au milieu d’une tournée en solo avec ce qu’il a présenté comme « le plus grand ensemble de tambours et de percussions accordés du monde ». Cette déclaration peut sembler contre-intuitive de la part de Bozzio – qui s’est fait connaître en travaillant avec Frank Zappa au milieu et à la fin des années 70, maîtrisant à un moment donné l’œuvre « The Black Page » du compositeur, une œuvre diaboliquement difficile centrée sur les percussions – mais ce batteur chevronné a toujours été bien plus qu’un virtuose de la technique. Après son passage chez Zappa, Bozzio a fait partie intégrante du supergroupe post-prog U.K. et, plus tard, avec sa femme de l’époque, Dale, il a été l’un des architectes du groupe New Wave des années 80 Missing Persons, au sein duquel il a adapté ses capacités extraordinaires à un cadre pop épuré. Bien que, ces dernières années, on l’ait entendu le plus souvent en tant qu’interprète solo, ou au sein de divers supergroupes peu connus, ses passages dans des groupes allant de Korn à Fantômas du chanteur de Faith No More, Mike Patton, témoignent de son étonnante diversité.

16 – Bill Bruford

Percussionniste doté des prouesses techniques d’un musicien classique, de la subtilité et de la spontanéité d’un improvisateur de jazz et de l’énergie d’un batteur de rock, Bill Bruford était un artiste à part entière lorsqu’il a été révélé au public par les cinq premiers albums de Yes. En 1972, alors que le groupe était sur le point de devenir un mastodonte, Bruford a rejoint King Crimson. Pendant les deux années qui ont suivi, il a montré de quoi il était capable, soir après soir, tout en créant des nouveaux sons, à partir de rien. Au cours de deux autres sessions au sein de King Crimson, Bruford s’est réinventé en tant que savant funk polymétrique (1981-84) et en tant qu’agent du chaos dans une formation à deux batteurs (1994-96), tout en réservant beaucoup de temps pour son projet passionnel, Earthworks. Retiré de la scène depuis 2009, il a obtenu son doctorat – vous pouvez l’appeler Docteur Bruford maintenant.

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15 – Buddy Rich

L’influence de Buddy Rich s’est étendue bien au-delà de l’ère des big bands ou même du jazz : il a été le premier batteur américain que beaucoup des premiers rockeurs britanniques ont entendu, apprenant à des fans comme John Bonham et Bill Ward à dépasser un simple backbeat pour se lancer dans des motifs d’improvisation percutants, encourageant Phil Collins à abandonner une configuration hasardeuse pour se concentrer sur son travail de charleston, et faisant tout simplement plancher Roger Taylor. « Je dirais qu’en termes de technique pure, il est le meilleur que j’aie jamais vu, se souvient le batteur de Queen. Je me souviens qu’il a fait une sorte de rouleau de pression qui a duré environ cinq minutes. Cela a commencé par un murmure, que l’on entendait à peine, et cela a pris une telle ampleur que la salle entière, qui comptait environ 3 500 personnes, a été remplie comme un coup de tonnerre. »

14 – Ringo Starr

« Je me souviens du moment où je me tenais là, je regardais John, puis George, et l’expression de nos visages était du genre « Va te faire foutre ». Qu’est-ce que c’est que ça ? », a déclaré Paul McCartney, en se remémorant la première fois que les Beatles ont joué avec Ringo Starr. « Et c’était le moment, c’était le début, vraiment, des Beatles. » Bien qu’il ait souvent été sous-estimé à la fin des années 60, époque flamboyante qui a vu naître Keith Moon et Mitch Mitchell, Ringo n’a pas seulement fondé le plus grand groupe de tous les temps, il a contribué à donner à leur musique une forme et une orientation. Sur le plan personnel, sa générosité a fait de lui le membre le plus accessible du groupe. « John avait tendance à s’emporter, mais Ringo était toujours très doux. Et il croyait vraiment à la paix et à l’amour. » En tant que batteur gaucher jouant sur un kit de droitier, Starr a inventé un style unique pour créer des « funny fills », sa fiabilité constante est devenue un standard d’or pour les joueurs de rock qui n’ont pas froid aux yeux, servant chaque chanson avec du feeling, du swing et une fiabilité inébranlable. « Ringo est le roi du feeling », a déclaré Dave Grohl. Jim Keltner ajoute : « Il est le type de musicien que nous essayions tous d’imiter en studio. »

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13 – D.J. Fontana

Sur des centaines d’enregistrements d’Elvis Presley, Dominic Joseph « D.J. » Fontana était à la pointe du rock & roll. Fontana était l’un des princes de la batterie rock & roll, faisant swinguer la musique hillbilly à une époque où les groupes de country et de bluegrass évitaient complètement la batterie. « Il avait une technique incroyable et des mains rapides, ce qui lui permettait de déployer ces roulements de presse de Buddy Rich quand il le voulait. Il jouait comme un batteur de big-band, à fond, a dit un jour Levon Helm. Elvis avait maintenant une vraie base, une certaine architecture, et il en a tiré le meilleur parti. D.J. a libéré Elvis. »

12 – Charlie Watts

Keith Richards a dit un jour que lorsque les Rolling Stones se sont formés, ils n’avaient « pas les moyens » de se payer le batteur Charlie Watts, qui était déjà le fidèle drummer du groupe Blues Incorporated d’Alexis Korner. Les Stones ont fini par le convaincre et il a demandé à les rejoindre. « Vous êtes super, mec », a-t-il dit à Richards, « mais il vous faut un putain de bon batteur. » À part quelques détours occasionnels dans des projets parallèles de jazz, Watts a parfaitement complété Jagger, Richards et le reste de la bande avec des grooves swinguants (« Brown Sugar »), des rythmes pieds au plancher (« Satisfaction ») et de l’expérimentation (« Sympathy for the Devil »)… Le tout en restant discret, pendant plus de 50 ans. « Quand on a eu Charlie, ça a vraiment été un nouveau chapitre pour nous, dit Richards. Charlie peut se précipiter comme un fou et faire en sorte que ce soit génial. C’est son style », a déclaré Jim Keltner à Drum ! « Il ne peut pas l’expliquer et je n’aime pas forcément entrer dans trop de détails avec lui à ce sujet. Je me contente de m’en émerveiller. » Le batteur des Stones nous a quittés le 24 août 2021, à l’âge de 80 ans. Qu’il repose en paix !

Les 50 meilleures chansons gothiques de tous les temps